被遺棄的LRC後製手法
這幾天再次整理舊照片，發現我其實從2008年就開始後製了，而開始練習LRC則是2011年，不過真正對後製有信心、能說得出些什麼，才是這幾年的事而已；後製兩個字花了我將近十年時間才有些通透。或許是現在對拍照的理解不同了，也可能是對人事物的解讀有所改變，當初很多喜歡並且沾沾自喜的後製手法現在看來卻有些彆扭，舊照片看來張牙舞爪，現在的我已經無法消化。
我仔細回想，找出原因，整理如下與你分享。
圖一）
圖二）
原圖）
過於加強對比、紋理、清晰度與飽和度，與不必要的暈影
以前後製照片，尤其是在社群剛崛起的那個時代，很怕小方格裡的照片不夠引人注意，因此後製影像時總是像是圖一的示範，過於加強對比、紋理、清晰度與顏色的飽和度等設定。甚至過度銳利化影像的總量，還加上了一圈黑黑的暈影，希望讓照片看起來立體、有氛圍，以為這就是所謂的影像故事性。
以單張照片來看，或許在第一時間可以吸引目光，但其實不耐看。不是說不能使用這些張力效果，而是在沒有考慮影像敘事性的前提下就加強所有數據，其實是盲目的。若以社群的版面來看，每張過於銳利的照片張牙舞爪似的充斥著滑動瀏覽的軌跡，反而刺眼。
現在的我更喜歡圖二的氛圍。後製前先構思想呈現的影像情緒，再透過後製工具來表現那些無形的情感。從原圖可以看到，現場呈現的是幽靜的氛圍，因此後製時，我反而降低對比、清晰度與飽和度。第一時間看照片，可能不夠耀眼，卻比較耐看。一張符合情緒的影像，才是我心中理想的。
圖三）
圖四）
原圖）
有違拍攝現場實際光影條件
後製時，我們常希望能讓一張照片「被看得清楚」，於是不管拍攝環境的光照條件，一概將「曝光」拉到極致，讓照片變得很亮。從原圖可以看到，這張照片為逆光拍攝，照片中人物以剪影出現是我認為的魅力關鍵。
不過後製時，我們往往比照圖三的手法，將曝光數據拉高，直到可以看清楚畫面中人物的臉孔五官，讓所有細節清清楚楚，反而失去照片原本的魅力。不僅如此，原圖照片裡本來就亮的地方（照片裡的背景，有藍色小客車的區塊）甚至有曝光過度的情況出現，顯得刺眼，無法好好檢視。
後製時，我先端詳原圖的光影條件，然後依照「現實」來調整光影的層次，讓照片（圖四）中「最亮」與「最暗沉」的區塊都還能看見其中的細節，這樣影像才有層次，光影才能流動，瀏覽照片的視線會自動產生動線，影像的故事性自然地就產生了。
後製是為了增加影像的情緒與情感，過度的手法反而會扭曲照片的拍攝初衷。如果你認為這篇內文的分享可以為你帶來不同的後製靈感，並達到學習的效果，歡迎以一杯咖啡的費用支持這個免費分享的部落格與創作。